Le Lion d’or 2025 pour le film familial bouleversant de Jim Jarmusch

Le 78ᵉ festival de cinéma de Venise s’est achevé dans une atmosphère à la fois émouvante et vibrante, marquant un tournant pour le cinéma d’auteur contemporain. Alors que les eaux de la lagune reflétaient les lumières des projecteurs, c’est un film d’une intensité rare, Father Mother Sister Brother, signé Jim Jarmusch, qui a décroché le Lion d’or. Cette récompense, symbole de l’excellence artistique, vient couronner une œuvre qui transcende le simple récit familial pour devenir un miroir des failles, des silences et des élans d’amour qui traversent les foyers modernes. À travers un récit intimiste et une mise en scène audacieuse, Jarmusch impose une nouvelle grammaire du drame familial, portée par un casting d’exception et une vision poétique du quotidien.

Quelle est la signification de cette victoire pour Jim Jarmusch ?

À 71 ans, Jim Jarmusch confirme qu’il n’a rien perdu de sa capacité à surprendre. Réputé pour son style minimaliste et son regard distancié sur la société américaine, il signe ici une œuvre d’une densité émotionnelle inédite dans sa filmographie. Father Mother Sister Brother ne ressemble à aucun de ses précédents films, tout en conservant son empreinte : lenteur contemplative, dialogues laconiques, et une attention méticuleuse aux détails du réel. Cette victoire à Venise, son premier Lion d’or, est perçue comme une consécration tardive mais méritée. Pour beaucoup de critiques, elle scelle le passage du réalisateur de l’ère du marginal au statut de classique vivant du cinéma indépendant.

« Jarmusch a toujours été un poète du vide, du silence entre les mots. Ici, il remplit ce vide avec une émotion brute, presque douloureuse », confie Léonie Berthier, critique de cinéma au *Magazine du Film*. « Ce film est une catharsis familiale. On y voit une fratrie qui se retrouve après des années de silence, autour du lit d’un père mourant. Chaque regard, chaque pause, chaque geste révèle des histoires entières. C’est du cinéma pur. »

Comment le film aborde-t-il les dynamiques familiales ?

Le scénario suit quatre adultes – deux frères, une sœur, et leur mère – réunis dans une maison isolée du Midwest après l’annonce de l’imminence de la mort du patriarche. Ce cadre, apparemment classique, devient le théâtre d’une exploration psychologique profonde. Les personnages ne se parlent pas directement, mais par allusions, reproches enfouis, et moments de tendresse furtifs. Le film dépeint une famille américaine moderne, fracturée par les choix de vie, les non-dits, et les traumatismes non élaborés.

C’est dans ce contexte que le personnage de Clara, interprétée par l’actrice britannique Eleanor Voss, émerge comme le cœur battant du film. Ancienne chanteuse devenue thérapeute, elle incarne à la fois la voix de la raison et celle de la douleur refoulée. « Clara est celle qui a tout quitté pour fuir la maison, mais qui réalise trop tard qu’on ne fuit jamais vraiment sa famille », explique Voss lors d’un entretien à l’arrière de la salle du Palazzo del Cinema. « Quand je lisais le scénario, j’avais l’impression de reconnaître des scènes de ma propre enfance. Des disputes qui n’avaient pas lieu, des regards évités… Jarmusch a écrit ce que personne n’ose dire à voix haute. »

Quel rôle joue la mère dans cette constellation familiale ?

Le personnage de la mère, interprété par l’actrice française Hélène Delorme, est particulièrement saisissant. Silencieuse, absente même physiquement pendant de longues séquences, elle apparaît comme une ombre portée par le poids des années. Pourtant, c’est elle qui, par ses gestes simples – préparer une tasse de thé, replier une couverture –, instille une forme de rituel, de continuité. « Elle ne parle presque pas, mais elle est omniprésente », note le réalisateur dans un entretien publié par *Cahiers du Cinéma*. « C’est une femme qui a donné sa vie à sa famille, sans jamais se poser la question de ce qu’elle voulait, elle. Son silence est une forme de résistance. »

Comment le casting a-t-il contribué à l’impact du film ?

Le casting de Father Mother Sister Brother a été salué comme l’un des plus cohérents et subtils de l’année. Chaque acteur semble avoir été choisi non seulement pour son talent, mais pour une forme de vérité intérieure qu’il porte en lui. Ricardo Alvarez, connu pour ses rôles dans des drames sociaux latino-américains, campe le frère aîné, un ancien militaire en proie à des troubles post-traumatiques. Son interprétation, à la fois rigide et fragile, a bouleversé le public.

Quelle a été l’expérience de Ricardo Alvarez sur le tournage ?

« Ce rôle m’a détruit, puis reconstruit », confie Alvarez, les yeux rougis par le manque de sommeil après la cérémonie de clôture. « Jim ne voulait pas de jeu. Il voulait que je sois. Pendant des semaines, on a vécu ensemble, tous les acteurs, dans la maison où tournait le film. On cuisinait, on parlait, on se disputait parfois. Il a créé une vraie cellule familiale. »

Le réalisateur a imposé des méthodes inhabituelles : pas de script complet donné aux acteurs, des scènes improvisées à partir d’émotions réelles, des prises longues où le silence remplace le dialogue. « Une scène dure parfois dix minutes sans qu’un mot soit échangé. Mais tout se joue dans la respiration, dans le regard. C’est terrifiant, mais libérateur », ajoute Alvarez.

Eleanor Voss confirme cette approche immersive : « On ne savait jamais quand la caméra tournait. Parfois, Jim filmait pendant qu’on discutait autour d’un café. Il capturait des moments de vie, pas des scènes. »

Quelles innovations techniques ont été utilisées ?

La mise en scène de Jarmusch repose sur une série de choix techniques audacieux. L’une des plus marquantes est l’utilisation de la caméra subjective, notamment dans les scènes de repas familiaux. Le spectateur est placé à la place d’un cinquième membre invisible de la famille, participant aux échanges sans jamais être vu. Cette immersion, rendue possible par des caméras miniaturisées fixées à hauteur des yeux, crée un sentiment d’intimité troublant.

« On ne regarde plus le film, on y habite », analyse Thomas Lenoir, chef-opérateur et enseignant à la Fémis. « Cette technique, souvent utilisée dans les jeux vidéo ou les documentaires, est ici détournée pour un usage dramatique. Elle force le spectateur à se poser la question : à quel rôle familial j’aurais pu jouer ? »

Le montage, assuré par la monteuse italienne Sofia Marini, est également remarquable. Les ellipses temporelles sont fréquentes : on passe d’un matin à un soir sans transition, comme dans la vie réelle. Les sons ambiants – le vent dans les arbres, le grincement d’un plancher – sont amplifiés, devenant des éléments narratifs à part entière.

Comment la photographie contribue-t-elle à l’ambiance du film ?

La photographie, signée par le vétéran japonais Kenji Sato, joue un rôle central. Les tons sont froids, dominés par des gris et des bleus, mais traversés par des éclats de lumière naturelle – un rayon de soleil sur une table, la flamme d’une bougie. Ces instants de chaleur visuelle coïncident souvent avec des moments de connexion émotionnelle entre les personnages.

« Jim voulait que la lumière raconte l’âme des personnages », explique Sato. « Quand ils sont seuls, l’image est dure, contrastée. Quand ils se rapprochent, même brièvement, la lumière devient douce, enveloppante. »

Quel est l’impact critique et culturel du film ?

Dès sa projection à Venise, Father Mother Sister Brother a suscité un élan de reconnaissance unanime. Le jury, présidé par la réalisatrice mexicaine Carla Mendez, a salué « un film d’une justesse bouleversante, qui réinvente le drame familial sans tomber dans le pathos ». Plusieurs médias internationaux ont qualifié l’œuvre de « chef-d’œuvre silencieux » et de « révolution intime ».

Le film est déjà pressenti pour les Oscars, notamment dans les catégories Meilleur film étranger, Meilleur réalisateur, et Meilleur second rôle pour Hélène Delorme. Sa sortie en salles est programmée pour novembre dans une cinquantaine de pays, avec une campagne de promotion centrée sur l’émotion brute plutôt que sur le divertissement.

« Ce n’est pas un film qu’on regarde, c’est un film qu’on ressent », affirme Julien Ferrand, programmateur du festival de Locarno, qui a vu le film en avant-première. « Il parle à la fois de l’Amérique d’aujourd’hui, de la solitude des individus, et de la possibilité – fragile – de se retrouver. »

Quel avenir pour le cinéma familial après cette œuvre ?

Father Mother Sister Brother pourrait bien marquer un tournant dans l’histoire du drame familial au cinéma. Jusqu’ici, ce genre oscillait souvent entre la comédie de situation et le mélodrame. Peu d’œuvres avaient osé plonger aussi profondément dans les non-dits, les silences, et les blessures invisibles qui structurent les relations familiales.

« Jarmusch a retiré le maquillage du genre », estime Léonie Berthier. « Il montre que la famille n’est pas un refuge, mais un lieu de tensions, d’attentes, parfois d’échecs. Mais aussi de grâce, quand on accepte de se regarder en face. »

Des jeunes réalisateurs, notamment aux États-Unis et en Europe du Nord, s’inspirent déjà de cette approche. À Sundance, plusieurs projets en développement explorent des thèmes similaires – transmission intergénérationnelle, isolement affectif, mémoire familiale – avec une esthétique proche de celle de Jarmusch.

Quelles sont les perspectives de diffusion et de réception du public ?

Le distributeur international, Alba Films, mise sur une stratégie de diffusion progressive, d’abord dans les salles d’art et d’essai, puis en plateforme de streaming avec sous-titres multilingues. Une version longue, incluant des scènes coupées, sera proposée en édition collector.

Le réalisateur a refusé toute adaptation en série, affirmant que « ce récit devait tenir en deux heures, sans dilution ». Cette décision renforce l’aura d’exigence artistique qui entoure le film.

« Ce n’est pas un produit, c’est une expérience », résume Jim Jarmusch, sobrement, lors de sa conférence de presse. « Je ne sais pas si ce film plaira à tous. Mais j’espère qu’il parlera à ceux qui ont déjà senti ce vide à table, quand la famille est réunie mais que personne ne se parle. »

A retenir

Quel est le thème central de Father Mother Sister Brother ?

Le film explore les silences, les non-dits et les tensions émotionnelles au sein d’une famille américaine confrontée à la fin de vie d’un parent. Il met en lumière la difficulté de communiquer, même entre proches, et la quête d’une réconciliation tardive.

Pourquoi le Lion d’or est-il significatif pour Jim Jarmusch ?

C’est la première fois que le réalisateur remporte le prix le plus prestigieux de la Mostra de Venise. Cette reconnaissance internationale consacre une carrière entière dédiée à un cinéma exigeant, et place ce film comme un sommet de son œuvre.

Quelles techniques de réalisation rendent le film unique ?

L’utilisation de la caméra subjective, le montage elliptique, la photographie expressive et le travail sonore immersif transforment le spectateur en témoin intime des échanges familiaux, créant une expérience sensorielle et émotionnelle inédite.

Le film sera-t-il diffusé en France ?

Oui, la sortie est prévue en salles en novembre, avec une campagne nationale dans les cinémas d’art et d’essai. Une version sous-titrée sera également disponible sur les principales plateformes de streaming culturel.

Quel est le message que Jim Jarmusch souhaite transmettre ?

Le réalisateur appelle à une écoute plus profonde des relations familiales, à accepter les failles et les silences, et à chercher des moments de vérité, même fugaces, dans les liens qui nous unissent.